La mística del paisaje

Una de las vertientes de la pintura que ha cobrado auge recientemente es el paisaje. Quizá porque este género es el medio idóneo para establecer temáticamente la relación entre el artista y su entorno primigenio, su práctica se renueva constantemente con diferentes modalidades.

En el caso de la obra de Fernando Aceves, el paisaje tiene tres características particulares que hacen eco de esa revisión. En primer lugar está la relación entre arte y naturaleza, que vuelve a cobrar importancia dada la complejidad del vínculo entre el ser humano y el medio ambiente. En segundo lugar, la correspondencia entre el concepto y la forma pictórica como discurso sobre lo trascendental en el arte, y en tercero la relación entre estrategias pictóricas diversas y la capacidad para registrar el momento actual.

La obra de Fernando Aceves explora varios caminos. Esta exposición presenta la visón del autor sobre un paisaje imaginario, lugares que pueden ser definidos como espacios de reflexión y soledad, donde la figura humana aparece generalmente aislada y reducida a su mínima expresión, ya como sombra, ya como cuerpos distantes. Este es tal vez el aspecto más característico de la obra de este pintor.

Fernando Aceves es un artista que favorece  la expresión personal sobre el análisis conceptual, como el  que se  hacía en  la pintura de los años 60, descomponiendo el plano pictórico y el soporte hasta llegar a  sus elementos mínimos. Considerando que el paisaje como género comenzó por establecer un vínculo entre la proporción humana dentro del universo natural (pensemos en La tempestad de Giorgione). Hoy por hoy  la obra de Aceves y otros artistas que recurren al género, puede abordarse desde la perspectiva filosófica como la presentación de lo primigenio que toma distintas convenciones culturales, y que fundamentalmente nos refiere a la reflexión sobre la existencia de fuerzas invisibles para el ojo pero perceptibles extrasensorialmente.

Aceves suele encontrar su inspiración en la naturaleza.  Su modo de trabajo lo lleva a recorrer los lugares donde encontrara los motivos que aparecen en su obra. Frecuentes en su trabajo son los sitios arqueológicos, parajes deshabitados, elementos naturales (riscos, cuerpos acuosos, desiertos) a los que dota de una carga simbólica.  Por ejemplo,  en Confesión o en Consuelo,  el sujeto humano aparece como una referencia de la acción en un ambiente estático. Está asociación entre la contingencia del comportamiento humano y un medio ajeno (quizá hostil) es lo que sirve de marco a la contemplación, acto meditativo, introspectivo, del cual se decanta una experiencia mística.

Siguiendo el ejemplo de los pintores románticos alemanes del siglo XVIII como Caspar Friderich y Arnold Bocklin, Aceves propone una representación de la naturaleza en la que se diluye veladamente el elemento representativo para dar lugar a  formas imaginativas. Es frecuente en sus obras encontrar líneas del paisaje que aluden a los contornos del cuerpo femenino; este uso metafórico del mundo externo es una estrategia para interiorizar  lo real, a través de formas aparentes.

A menudo la presencia humana tiene un carácter sensual que deja entrever una apreciación del cuerpo y de la sexualidad como conductos de   la experiencia trascendental. Es en esta afirmación de lo vital, en la que el deseo del otro tiene como resultado una afirmación del yo, en donde se encuentra el meollo de la temática de la obra.

Aunque trabaja a partir del natural, la pintura de Aceves lejos de ser lírica es simbolista. En ocasiones podría hablarse no de símbolos sino de escenas arquetípicas; ritos de iniciación, que aluden a situaciones riesgosas o alucinaciones, como sucede en Destino o en Ánimas. Bien consideradas, estas propuestas temáticas alejan la obra de Aceves de la representación naturalista  y la llevan hacia una alternancia entre el tratamiento realista y el expresionista, vetas que el pintor habrá de llevar aún hasta su límite. Por el momento, su propuesta deja en la mente una impronta de búsqueda, de hallazgo, un deseo de tocar temas actuales con referencias añejas, que es lo que hacen del retorno al paisaje uno de los logros inmediatos de la pintura de caballete.

Las influencias  temáticas y estilísticas  asumidas por Fernando, que van desde las pinturas funerarias etruscas, hasta la tira cómica francesa Tintin,  dejan ver su presencia en el tratamiento pictórico de la obra. Por un lado está el uso marcado del contraste lumínico -cielos claros que enmarcan  formaciones rocosas oscuras-, un tratamiento que recuerda la ilustración gráfica. Por otro se encuentra la mancha pictórica que moldea los cuerpos dándoles un carácter expresionista.

Ambos recursos reafirman una visión pictoricista cercana a la sensibilidad romántica y arcaica, muy apta para los temas que trata: la relación del humano con su entorno natural, el mito y la magia, la experiencia mística.

José Manuel Springer

Mayo de 2001

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